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有人在玉雕前驻足良久，感慨玉石里藏着的东方温润；有人对着景泰蓝久久凝视，被那抹流光溢彩的蓝震撼失语；还有人轻抚漆器表面的纹理，在指尖触感中读懂老手艺的坚守。这场看似低调的展览，之所以能快速出圈，成为新春北京最值得打卡的文化地标，核心在于它没有把工艺美术束之高阁，而是用可看、可感、可共情的方式，让千年匠心走进普通人的视野，让我们在年味里，重新遇见中华传统造物的力量。
2月12日，正值腊月廿五，距离马年春节仅剩五天，中国美术馆里的年味与艺韵早已交融共生。作为新春大展的核心主题展之一，“瑞器呈华”没有追求展品的数量堆砌，而是精挑细选40件（套）作品，涵盖陶瓷、石雕、玉雕、竹雕、景泰蓝、漆器等多个核心工艺美术品类。这些作品的创作年代跨度近半个世纪，从新中国成立后工艺美术复苏时期的经典之作，到当代工艺大师的创新佳品，每一件都承载着手艺人的坚守与探索，串联起一部浓缩的中国现代工艺美术发展脉络。
走进展览展厅，没有繁杂的装饰，没有多余的讲解干扰，简洁的陈列让每一件展品都成为绝对的主角。柔和的灯光洒在器物表面，勾勒出它们独有的肌理与光泽，仿佛在无声地诉说着背后的故事。不同于其他展览的“走马观花”，这里的每一件作品，都值得静下心来细细品味——哪怕是陶瓷器表面一道细微的纹路，哪怕是玉雕上一处不经意的留白，哪怕是景泰蓝上一丝精巧的金丝，都藏着手艺人千锤百炼的功夫，藏着中华传统文化的深厚底蕴。
陶瓷作为中国工艺美术的核心品类，在此次展览中占据着举足轻重的位置。展出的几件陶瓷作品，既有传统青瓷的温润内敛，也有现代彩瓷的鲜活灵动，更有兼具传统技法与当代审美的创新之作。其中一件青瓷瓶，器型饱满圆润，线条流畅自然，釉色如雨后青山，温润如玉，触感细腻光滑，看不到一丝瑕疵。熟悉工艺美术的人都知道，这样的釉色，需要经过多次施釉、精准控温，稍有不慎，便会前功尽弃。烧制这件作品的老艺人，从事陶瓷创作四十余年，一生只专注于青瓷烧制，哪怕是同样的器型，每一件作品的釉色都会有细微的差异，这正是手工创作的独特魅力——没有复制粘贴，每一件都是独一无二的存在。
这件青瓷瓶的创作年代在上世纪八十年代，彼时正是中国工艺美术复苏的关键时期，许多老手艺人流失，传统技法面临失传的困境。这位老艺人顶住压力，一边坚守传统烧制技法，一边尝试优化釉料配方，让古老的青瓷重新焕发活力。瓶身上没有多余的纹饰，仅靠简洁的线条和温润的釉色，便将东方美学的“留白”意境展现得淋漓尽致，既有“清水出芙蓉，天然去雕饰”的素雅，也有“大音希声，大象无形”的厚重。如今，这样的传统青瓷烧制技法，已经被列入非物质文化遗产保护名录，而这件作品，也成为那个时代工艺美术复苏的重要见证，承载着一代人的坚守与希望。
与青瓷的温润形成鲜明对比的，是一件现代彩瓷作品。这件作品以马年为主题，画面上一匹骏马昂首奔腾，线条凌厉有力，色彩鲜艳明快，打破了传统彩瓷的繁复纹饰，融入了现代绘画的表现手法，让整个作品充满动感与活力。创作这件作品的年轻艺人，是老艺人的传承人，他从小跟随师傅学习陶瓷创作，熟练掌握传统技法后，没有局限于传统题材，而是尝试将时代元素、当代审美融入其中，让陶瓷作品更贴近年轻人的生活。
他坦言，传统工艺美术要想活下去、火起来，不能一味固守传统，必须学会创新，学会与时代同频共振。如今，很多年轻人对传统陶瓷不了解、不感兴趣，核心原因就是传统作品的题材和表现形式，与年轻人的审美需求脱节。这件马年主题的彩瓷作品，就是他的一次尝试——既保留了传统彩瓷的烧制技法，又融入了年轻人喜欢的简约风格和时代元素，让古老的陶瓷艺术，能够走进年轻人的视野，被更多人喜欢和传承。这件作品的展出，也让我们看到了传统工艺美术的传承与延续，看到了老手艺在年轻一代手中的创新与发展。
玉雕作为“东方瑰宝”，在此次展览中同样惊艳全场。展出的玉雕作品，选材精良，工艺精湛，涵盖了白玉、翡翠、碧玉等多种玉石材质，每一件都经过手艺人的精雕细琢，将玉石的温润与工艺的精巧完美融合。其中一件白玉摆件，选材自新疆和田白玉，质地细腻温润，色泽洁白无瑕，没有一丝杂质。手艺人根据玉石的天然形态，顺势而为，将其雕刻成一朵盛开的莲花，花瓣层次分明，纹理清晰可见，就连花瓣上的露珠，都雕刻得栩栩如生，仿佛轻轻一碰，就会滴落下来。
莲花在中国传统文化中，象征着纯洁、高雅、吉祥，手艺人将玉石的温润与莲花的寓意相结合，既展现了玉石的天然之美，也传递了美好的祝福。这件玉雕作品的创作年代在上世纪九十年代，彼时玉雕工艺正面临着选材困难、技法创新不足的困境，手艺人花费数年时间，辗转多地，才找到这块质地优良的和田白玉，又经过近两年的精雕细琢，才完成这件作品。雕刻过程中，手艺人始终坚持“因材施艺”，尊重玉石的天然形态，不刻意雕琢，不勉强为之，让玉石的天然之美与工艺之美完美融合，这正是玉雕艺术的核心精髓——“天人合一”。
，质地通透，手艺人将其雕刻成一只瑞鹿，鹿的姿态优雅，眼神灵动，身上的毛发纹理清晰可见，细腻入微。鹿在中国传统文化中，象征着吉祥、安康、长寿，与马年新春的喜庆氛围相得益彰。这件作品的独特之处，在于手艺人巧妙地利用了翡翠的颜色渐变，将翡翠的翠绿与白色完美搭配，打造出层次感和立体感，让整个摆件鲜活生动，仿佛拥有了生命。
很多观众在这件翡翠摆件前驻足拍照，有人感慨“玉石的神奇，在于它能承载时光的痕迹”，也有人感叹“手艺人的厉害，在于能将一块普通的玉石，变成一件传世佳作”。事实上，玉雕艺术的魅力，不仅在于玉石的珍贵，更在于手艺人的匠心——每一刀雕刻，都凝聚着手艺人的心血与汗水；每一处细节，都彰显着手艺人的技艺与智慧。一块普通的玉石，经过手艺人的精雕细琢，便被赋予了生命与灵魂，承载着传统文化的内涵与美好的祝福，这正是玉雕艺术能够流传千年、长盛不衰的核心原因。
竹雕作为一种小众工艺美术品类，此次也在展览中占据了一席之地，凭借其精巧的工艺和独特的韵味，吸引了不少观众的关注。展出的几件竹雕作品，选材精良，均为生长多年的毛竹，质地坚硬，纹理清晰。手艺人利用竹材的天然纹理，经过雕刻、打磨、抛光等多道工序，将其打造成一件件精美的艺术品。其中一件竹雕笔筒，器型简洁大方，表面雕刻着一幅山水图景，远山近水、亭台楼阁、文人雅士，刻画得栩栩如生，线条细腻流畅，仿佛一幅立体的山水画。
竹雕工艺的难度极大，竹材质地坚硬，雕刻过程中稍有不慎，便会出现裂痕，导致整个作品报废。这件竹雕笔筒的创作艺人，从事竹雕创作三十余年，练就了一手精湛的技艺，他的雕刻手法细腻柔和，既能展现出山水的磅礴气势，也能刻画文人雅士的清雅气质。笔筒上的每一刀，都精准有力，没有一丝多余，将竹材的天然纹理与雕刻工艺完美融合，让整个作品既有竹材的清香，也有艺术的韵味。
更难得的是，这件竹雕笔筒的创作，没有局限于传统山水题材，而是融入了文人雅士的生活场景，展现了中国传统文化中“隐居山林、淡泊名利”的清雅意境。在快节奏的当下，这样的作品，仿佛能让人静下心来，远离城市的喧嚣，感受传统文化的宁静与美好。竹雕艺术虽然小众，但它承载着中国传统文化的内涵，彰显着手艺人的匠心，是中国工艺美术不可或缺的重要组成部分。此次展览将竹雕作品纳入其中，也体现了对小众工艺美术品类的重视，让更多人了解竹雕艺术，关注小众老手艺的传承与发展。
如果说陶瓷、玉雕展现的是东方美学的温润内敛，那么景泰蓝则展现了中国工艺美术的华丽璀璨。作为中国传统工艺美术的瑰宝，景泰蓝又称“铜胎掐丝珐琅”，以其精湛的工艺、华丽的色彩、精美的纹饰，被誉为“东方艺术明珠”。此次展览展出的几件景泰蓝作品，均为知名工艺美术大师的代表性作品，涵盖了传统题材与现代题材，展现了景泰蓝工艺的传承与创新。
其中一件景泰蓝花瓶，器型端庄大气，线条流畅优美，瓶身上布满了精美的纹饰，以缠枝莲纹为主，搭配祥云图案，寓意着吉祥如意、福寿绵长。花瓶的色彩搭配巧妙，以宝蓝色为主色调，搭配金色、红色，色彩鲜艳明快，对比强烈却不突兀，展现了景泰蓝工艺的华丽与精致。掐丝、点蓝、烧蓝、打磨，每一道工序都精益求精，金丝纤细均匀，釉色饱满透亮，没有一丝瑕疵，让人不得不惊叹手艺人的精湛技艺。
这件景泰蓝花瓶的创作大师，被誉为“中国景泰蓝第一人”，从事景泰蓝创作五十余年，一生致力于景泰蓝工艺的传承与创新。他坦言，景泰蓝工艺工序繁杂，仅掐丝一道工序，就需要手艺人凭借多年的经验，将金丝弯成各种精美的纹饰，一丝一毫都不能出错；点蓝工序则需要精准把控釉料的用量和颜色，烧蓝则需要精准控温，每一道工序都容不得半点马虎。在上世纪七十年代，景泰蓝工艺面临着用料短缺、技法失传的困境，这位大师顶住压力，一边整理传统技法，一边尝试创新，将戏曲、音乐、绘画等其他艺术形式的养分融入景泰蓝创作中，推出了很多前所未有的设计。
他创作的“蝶花瓶”，灵感来源于经典词牌，瓶身蝶花翩翩起舞，寓意国泰民安、安居乐业，曾获得全国景泰蓝行业评比第一名，畅销近四十年至今不衰。而此次展出的这件景泰蓝花瓶，是他晚年的代表作之一，既保留了传统景泰蓝的精湛工艺，又融入了现代审美元素，让古老的景泰蓝艺术重新焕发活力。如今，景泰蓝工艺已经被列入国家级非物质文化遗产保护名录，越来越多的年轻人开始关注景泰蓝、学习景泰蓝工艺，而这件作品，也成为景泰蓝工艺传承与创新的重要见证。
与传统景泰蓝的华丽形成对比的，是一件现代景泰蓝作品。这件作品打破了传统景泰蓝的繁复纹饰，采用简约的设计风格，器型简洁大方，色彩淡雅清新，仅用少量金丝勾勒出简单的线条，搭配柔和的釉色，让整个作品充满现代气息。创作这件作品的年轻艺人，是大师的传承人，他表示，传统景泰蓝给人的印象是“华丽、厚重”，适合摆放于正式场合，很难融入年轻人的日常生活。他希望通过自己的尝试，让景泰蓝变得更简约、更时尚，更贴近年轻人的审美需求，让景泰蓝能够走进普通家庭，成为日常生活中的装饰品。
漆器作为中国最古老的工艺美术品类之一，在此次展览中同样展现出独特的魅力。展出的几件漆器作品，涵盖了雕漆、螺钿漆、彩绘漆等多种工艺，每一件都工艺精湛，纹饰精美，展现了漆器艺术的深厚底蕴。其中一件雕漆屏风，屏风表面雕刻着精美的花鸟图案，花鸟姿态各异，栩栩如生，线条细腻流畅，层次分明。雕漆工艺是漆器工艺中难度最大的一种，需要经过多次髹漆、雕刻，每一层漆都需要自然干燥后才能进行下一层髹漆，整个过程耗时漫长，少则数月，多则数年。
这件雕漆屏风的创作，耗时整整两年，手艺人先后髹漆数十层，厚度达到数毫米，然后再进行精雕细琢，每一刀都精准有力，没有一丝多余，将花鸟的灵动与漆器的温润完美融合。屏风上的花鸟图案，不仅展现了自然之美，也传递了美好的祝福，与马年新春的喜庆氛围相得益彰。漆器艺术的魅力，不仅在于其精湛的工艺，更在于其独特的质感和光泽，经过岁月的沉淀，漆器的色泽会变得更加温润、更加有光泽，仿佛能承载时光的痕迹，成为跨越岁月的艺术品。
另一件螺钿漆盘，則展现了漆器工艺的另一番韵味。螺钿漆工艺是将贝壳打磨成薄片，镶嵌在漆器表面，经过打磨、抛光等多道工序，形成精美的纹饰。这件螺钿漆盘，表面镶嵌着各种颜色的贝壳薄片，组成一幅精美的山水图景，贝壳的天然光泽与漆器的温润光泽相互映衬，色彩斑斓，绚丽夺目。阳光洒在漆盘上，贝壳薄片折射出淡淡的光泽，仿佛山水之间有光影流动，让人目不暇接。
这些漆器作品，大多创作于上世纪九十年代至本世纪初，彼时漆器工艺正面临着市场萎缩、传承人短缺的困境。很多手艺人因为收入微薄，纷纷转行，传统漆器技法面临失传的风险。好在，随着传统文化的复苏，越来越多的人开始关注漆器艺术，政府也加大了对非物质文化遗产的保护力度，一批年轻的传承人开始学习漆器工艺，让古老的漆器艺术重新焕发活力。此次展览展出这些漆器作品，不仅是对漆器工艺的传承与弘扬，也是对那些坚守漆器工艺的手艺人的致敬。
40件（套）作品，近半个世纪的跨度，多种工艺美术品类，这场“瑞器呈华”展览，不仅仅是一场艺术品的陈列，更是一次传统文化的传承与弘扬，一次匠心精神的致敬与传承。走进这场展览，我们看到的不仅仅是一件件精美的工艺美术作品，更是一代代手艺人的坚守与探索，是中华传统文化的深厚底蕴与独特魅力。
在展览现场，我们看到了不同年龄段的观众，有白发苍苍的老人，驻足在老艺人的作品前，回忆着过去的岁月，感慨着传统手艺的变迁；有朝气蓬勃的年轻人，拿着手机拍照打卡，认真聆听作品背后的故事，对传统工艺美术充满好奇与热爱；还有带着孩子的家长，耐心地给孩子讲解每一件作品的工艺与寓意，让孩子从小接受传统文化的熏陶。不同年龄段的观众，在这里找到了属于自己的文化共鸣，这正是这场展览的意义所在——让传统文化不再是高高在上的艺术品，而是能够走进普通人生活、被大众喜欢和传承的文化瑰宝。
如今，传统文化复兴成为时代潮流，越来越多的传统工艺被列入非物质文化遗产保护名录，越来越多的年轻人开始关注传统工艺、学习传统工艺，这是一件值得欣慰的事情。但我们也应该清醒地认识到，传统工艺美术的传承与发展，依然面临着诸多困境。部分传统技法面临失传，很多老手艺人身后没有传承人；一些传统工艺美术作品脱离市场需求，难以被大众接受；年轻传承人面临着收入微薄、发展空间有限的问题，难以坚守下去；甚至还有一些工艺被过度商业化、同质化，失去了手工创作的独特魅力。
就像景泰蓝工艺，虽然被列入国家级非物质文化遗产保护名录，但目前从事景泰蓝创作的专业人员已经非常少了，并且大多都是五十岁以上的老人，能把所有工序都做一遍的人几乎没有了。而玉雕、漆器等工艺，也面临着类似的困境，传承人短缺、技法失传，成为制约传统工艺美术发展的重要因素。此外，很多传统工艺美术作品，依然停留在传统题材和表现形式上，没有融入时代元素和当代审美，难以吸引年轻人的关注和喜爱，导致传统工艺难以真正走进大众生活。
此次“瑞器呈华”展览，给我们提供了一个很好的思路——传统工艺美术的传承与发展，既要坚守匠心、传承传统，也要勇于创新、贴合时代。坚守匠心，就是要坚守传统技法，尊重手工创作的独特魅力，不浮躁、不功利，用心做好每一件作品；传承传统，就是要传承传统工艺背后的文化内涵与精神内核，让千年匠心得以延续。而勇于创新，就是要打破传统思维的局限，融入时代元素、当代审美，优化作品的题材与表现形式，让传统工艺美术作品更贴近大众生活、更符合市场需求；贴合时代，就是要关注年轻人的审美需求，用年轻人喜欢的方式，传播传统工艺文化，让更多年轻人了解传统工艺、喜欢传统工艺、传承传统工艺。
中国工艺美术学会理事长才大颖曾说，工艺美术产品本就涵盖“玩、用、赏、藏”四个层次，未来产业发展的核心应聚焦“赏”与“用”，精准对接中产阶层及年轻消费群体的需求。传统工艺美术不应该仅仅是博物馆里的展品，更应该走进普通人的日常生活，成为我们生活中的一部分。就像中国美术馆推出的“旗开得胜”系列文创产品，灵感来源于国家级非物质文化遗产泥塑代表性传承人的作品，将传统元素转化为文具、配饰、摆件等日常用品，既传承了传统文化，又满足了大众的生活需求，让传统工艺真正“活”了起来。
清华大学美术学院教授尚刚曾表示，AI、3D打印等数字技术会淘汰大多数一般的、同质化的创作，但真正有创造性的本领是AI没有的。对于传统工艺美术而言，手工创作的独特魅力，是机器无法替代的——每一件手工作品，都有手艺人的温度与心血，都有独一无二的细节与韵味，这是机器复制无法实现的。因此，传统工艺美术的传承与发展，既要善用数字化技术，助力工艺创新与传播，也要坚守手工创作的匠心，保留传统工艺的独特魅力，不能被机器复制所取代。
这场“瑞器呈华”展览，还有一个值得关注的地方，就是它作为中国美术馆新春大展的五大主题展之一，与“奔腾启新——致敬老艺术家美术精品展”“骏驰云章——中国美术中的马”“跃马春风——中国美术馆楹联书法作品展”“神采在兹——中国民间美术中的祈福形象”共同构成了完整的新春艺术矩阵。五大展览涵盖多种艺术形式，既是对古今艺术经典的深情回望，亦是对当代创新活力的集中展示，更借生肖马所寓意的奔腾奋进之势，传递对时代与未来的美好祝福。而“瑞器呈华”展览，以工艺美术为切入点，用一件件匠心之作，展现了中华传统造物美学与工匠精神，成为整个新春大展中最具温度、最具烟火气的一部分。
在展览现场，一位年轻观众的话让人印象深刻：“以前总觉得传统工艺美术离我们很远，是高高在上的艺术品，直到走进这场展览，才发现传统工艺原来这么有魅力，每一件作品都藏着不为人知的匠心与坚守。”事实上，传统工艺美术从来都不是脱离生活的，它源于生活、高于生活，是古人智慧与审美情趣的结晶，是中华传统文化的重要组成部分。从我们日常使用的陶瓷餐具，到摆放的玉雕摆件，再到佩戴的景泰蓝饰品，传统工艺无处不在，只是我们常常忽略了它的存在。
马年新春，这场“瑞器呈华”展览，不仅给我们带来了一场视觉盛宴，更让我们重新认识了传统工艺美术，重新感受到了匠心精神的力量。它像一座桥梁，连接起过去与现在，连接起传统与现代，让千年匠心得以延续，让传统文化得以弘扬。40件（套）作品，虽然数量不多，但每一件都承载着深厚的文化内涵，每一件都彰显着独特的工艺魅力，每一件都传递着美好的祝福。
展览的意义，不仅仅是陈列展品，更是传承文化、传递匠心。它让我们看到，传统工艺美术并不是一成不变的，它可以在坚守传统的基础上，融入时代元素，实现创新与发展；它让我们看到，越来越多的年轻人开始关注传统工艺、学习传统工艺，传统工艺的传承与发展，充满了希望；它更让我们看到，中华传统文化的博大精深与独特魅力，让我们增强了文化自信，坚定了传承与弘扬传统文化的决心。
随着展览的持续推进，相信会有更多的人走进中国美术馆，走进“瑞器呈华”展览，感受传统工艺美术的魅力，聆听匠心背后的故事。而这场展览所传递的匠心精神与文化内涵，也会像一粒种子，在人们心中生根发芽，让更多的人关注传统工艺、热爱传统工艺、传承传统工艺。
年味渐浓，艺韵长存。这场藏在京城核心区的文化盛宴，不仅是马年新春最动人的风景，更是传统工艺美术传承与发展的重要见证。它告诉我们，传统工艺从来都不会过时，只要我们坚守匠心、勇于创新，贴合时代、贴近大众，千年老手艺就一定能够焕发新的活力，在新时代绽放出更加耀眼的光芒，成为中华民族文化自信的重要支撑，成为跨越岁月、生生不息的文化瑰宝。
愿每一件传统工艺美术作品，都能被温柔以待；愿每一份匠心，都能被认真传承；愿中华传统文化，在新时代的浪潮中，生生不息、源远流长，绽放出更加璀璨的光彩。返回搜狐，查看更多
